En esta ocasión el festival se traslada a Barcelona y tendrá lugar en noviembre de este 2009. Para quienes no podamos acudir al Festival es probable que tengamos ocasión de verlo más adelante en Madrid, aunque todavía no se han anunciado fechas.

Este año se presenta especialmente interesante, ya que las bases apuntan hacia contenidos todavía más abstractos, que seguro ayudarán a definir todavía más el carácter del Festival.

Estoy convencido de que la organización seguirá haciéndonos disfrutar, además de con las obras a concurso, con una estimulante sección retrospectiva que nos ayude a profundizar y acercarnos al punto de partida de la propuesta artística y conceptual del Festival.

Como en la edición anterior, la inscripción sigue siendo gratuita y el plazo finaliza el lunes 17 de agosto de 2009. En la página del proyecto se pueden encontrar las bases del concurso, el formulario de inscripción para participar en él y también mucha información adicional como vídeos de la anterior edición, una mediateca, enlaces interesantes…

Como arquitecto me resultaron muy interesantes dos aspectos del material que pudimos ver la edición anterior: uno es la proximidad del planteamiento de las propuestas a las estrategias del proyecto arquitectónico; y, otro, el cambio cualitativo que produce la introducción del factor tiempo, a través del sonido y el movimiento en una representación plástica abstracta, la conecta mucho más con lo que podría ser la experiencia arquitectónica. La relación entre música y arquitectura es ya un tema clásico, pero este tipo de representación abstracta resulta especialmente sugerente en ese sentido.

En relación a este Festival tengo pendiente escribir un post sobre unas jornadas denominadas “Los límites de la composición” a las que tuve la fortuna de asistir el año pasado (también en La Casa Encendida) y en las que un grupo de pioneros de la música experimental (americana) post Cage como Gordon Mumma o Alvin Lucier, con la ayuda para profanos de Carmen Pardo y Makis Solomos, exponían los puntos de partida, reflexiones y procesos de su actividad creativa. La afinidad de la propuesta artística, probablemente relacionada con la proximidad cultural y geográfica, me llevan a pensar y a sugerir a la organización la presencia de algunos de estos compositores en alguna mesa redonda. Podría resultar tan interesante para un Festival como el Punto y Raya contar con gente tan lúcida como fue la intervención de Agustín García-Calvo en el 2007.

Este año, aprovechando además que Reyes está cursando una asignatura de animación, tenemos una nueva fuente para alimentar nuestro gusto por la animación y el arte visual.

Hoy, sin embargo, la sorpresa ha llegado a través de la radio, gracias al blog de Xosé Castro: La mamola.

Xosé, además de paisano, es colaborador del programa de RNE “Asuntos propios” dirigido por Toni Garrido, donde cuenta con una sección desternillante dedicada a las anécdotas y curiosidades de la lengua.

En su blog recoge videos e imagenes curiosas, llamativas por su humor, su “frikismo”, o su belleza. Entre todas ellas me cautivó la animación “Sand“, del artista húngaro Ferenc Cakó y que ha sido la que me ha incitado a escribir este post.

I’m not surprised to see some of this work being shown in the Tate Modern in London, and, as an architect, I really enjoyed how the paintings/animations are spatially conceived and take into consideration the scale and relationship with their close environment. Working spaces are carefully selected, as one can see in BLU’s blog, so this subtle dialogue can be achieved.

Such a deep sensitivity to the surrounding environment hasn’t struck me very frecuently when faced to the majority of street art. Most of it is intrusive or plainly aggresive, in the mood of advertisements, and limit themselves to smart trompe l’oeil effects. They hardly ever come to play using their materiality as a mean to attach to their canvas, and could just have been painted in any other place, without ever potentiating or reacting to their spatial framework.

It’s also worth having a look to BLU’s website as the graphic design is very nice: clean and personal.

The following video was the one that attracted my attention:

MUTO a wall-painted animation by BLU from blu on Vimeo.

Another interesting urban artist worth knowing is SpY, which, through frequently subtle interventions on the urban landscape, brings to life and subverts the normal reading of our cities, much in the way of avant-garde, situationism.

Both BLU and SpY’s work look to me like an urban version of Land Art.

Some other street art artists which show some attention to the surrounding context in their works are Banksy or 108 (108 homepage).

Aaron Koblin:

Airplane Flight Patterns over the USA (Copyright by Aaron Koblin and the FAA)

A representación das traxectorias e intensidades dos voos faise con distintas linguaxes e preséntase con e sen superposicións das xeografías, tempos e cantidades subxacentes, dando lugar a un resultado realmente interesante no eido plástico.

O proxecto recordoume a plasmación dalguns experimentos de psicoxeografía e ós mapas psicoxeográficos, e resulta interesante coma estratexia de análise que provoca a materialización de aspectos case invisíbles da realidade.

Nota: O video atopeino grazas a un post no blog de Rich Burridge, membro do proxecto GNOME.

Last week I visited Toledo, as part of an ongoing contract, where I’m doing the structural engineering evaluation and consultancy for the rehabilitation of an old building. This building is very interesting, as some of its parts date back to the XI century, with some additions from the XV century, and minor ones later on. Besides that, it’s structure is a frankenstein like mix of masonry walls, timber frames, wooden columns and beams, earth walls and even some recent steel parts.

Alicia González, the architect that’s leading the works, had also arranged for that day a visit to the church of San Juan the los Reyes [1][2][3], a building in the plateresque style, built in the XV century by the Catholic Monarchs, which is undergoing some maintenance works on its façades and roofs.

From the roofs you can get some gorgeous views of the surroundings, including the famous cloister in the same building:

Something that always surprises me is the care given to detail even for sculptures and stained-glass windows that stand further than 30 meters away from the ground:

But not only this kind of monuments have their hidden treasures. Given that Toledo and the building we are working on both have a very interesting history, you can expect to find some hidden mozarab beauties and other little gems like carved wooden beams hidden behind a bathroom’s tiles, plaster decorations under a very boring covering or old decorations (XI century) that still keep some polychromy on them:

I’m just curious about what the old arab writings on the mozarab wooden beam say… maybe someone on the web can help with that…

Interestingly, these two buildings frame what has been called the Golden age of jewish culture in Iberia, the Golden Age of Arab or Moorish Rule in Iberia, or even La Convivencia (“the Coexistence”), spanning from the VIII to the XIV century.

Tras ese título tan sugerente, la organización añadía en la convocatoria del festival:

Este festival explora la síntesis máxima de la dualidad forma·movimiento en diversas esferas artísticas. Gracias a la simplicidad de la consigna utiliza la materia prima de la abstracción humana para revelar los logros y las limitaciones de nuestras formas de representación.

El punto·raya es el grano mínimo sobre el que se construye nuestro universo y el entendimiento que de él tenemos; es la identificación primaria de lo que existe; la esencia de lo que no es materia pero constituye la materia, de lo que no es perceptible pero permite el reconocimiento de lo que sí lo es.

Pero en la dimensión simbólica el punto·raya deja de ser un fin en sí mismo para representar diversas actuaciones de la mente humana

El contenido del festival giraba entorno a la creación audiovisual de contenido y estructura abstracta. El programa, además del maratón de obras a concurso, incluía una retrospectiva (con obras de los años 20 a nuestros días), un taller de creación (del que pudimos ver las obras resultantes), y un par de conferencias (a cargo de Agustín García Calvo y de José Antonio Millán).

Disfrutamos mucho del festival, a pesar de no haber podido asistir a todas las actividades, y esperamos que se repita en años venideros.

Personalmente, resaltaría, además de las propias obras mostradas, la profusión de información de la web, la gran calidad de la edición y contenidos del programa de mano, así como la diversidad del contenido exhibido. Me parece importante resaltar la información complementaria ya que es difícil degustar este tipo de obras sin un mínimo contexto. La retrospectiva y los materiales adicionales cumplían bien esta función.

Posibles sugerencias para otras ediciones son:

• Me hubiese gustado disponer de actividades alternativas para los imprescindibles pequeños descansos entre proyecciones. Habilitar en el patio central o la terraza una zona de lectura o visualización individual con entrevistas a los autores, reportajes sobre las técnicas y procesos de creación, o información histórica y técnica relacionada con los contenidos hubiesen encajado bien.
• Ofrecer los contenidos finales en la red. Es alarmante la falta de difusión libre de estos contenidos, tal vez mostrando cómo los autores obedecen al incentivo de la promesa de explotación económica de sus obras obtenidas con los canales tradicionales de la industria, frente a la difusión de sus creaciones (que a su vez sí podría implicar para ellos otras formas de retribución).

Algunas referencias para indagar en el mundo del audiovisual abstracto / música visual:

• The Iota Center
  Organización dedicada al cine abstracto y la música visual. Mantienen una lista de artistas, además de artículos interesantes, y me parecieron especialmente interesantes las secciones dedicadas a las técnicas de animación y la introducción general histórica Animation in the Post-Industrial Era por el Dr. William Moritz.
• Rhythmic light – Mucha información general y galerías online
• Sounding Visual by Maura McDonnell – Excelente recopilación y síntesis de información e imágenes sobre la música visual realizada inicialmente para impartir unas clases de música e imagen. Merece especialmente la pena consultar el artículo de historia de la música visual: sonido y color.
• Center for Visual Music – Contiene el legado de O.Fischinger
• Prometheus Institute – Centro dedicado a la investigación de la luz, el color o el arte digital.

Algunos enlaces a obras disponibles en la red:

Viking Eggeling:

Diagonale Symphonie 1924

Len Lye:

Free Radicals 1958/1979 + A colour box 1935

Oskar Fischinger:

Oskar Fischinger – Kreise (1933)

Oskar Fischinger_Studie Nr.9

Norman McLaren:

Mosaic 1965

Synchromie 1971

Bärbel Neubauer:

Mondlicht

Robert Breer

A man and his dog out for air 1957

Chiaki Watanabe:

1/3 [One over three]

Pierre Hébert:

Between science and garbage 1

Between science and garbage 2

Jordan Belson
Larry Cuba

Referencia geek: parece que el software más en boga actualmente para las obras de base digital es Max/MSP junto con Jitter. Me sorprendió que no se mencionase PureData, un proyecto de software libre iniciado en los años 90 por el creador de Max/MSP y que, habiendo visto en vivo ya hace años algunas creaciones realizadas con él, dudo esté a la zaga en capacidades.

Curiosidades: Edgar Varese compuso el Poème Électronique, parte de un ambiente sonoro y lumínico que se usaría en la inauguración del pabellón Phillips que Le Corbusier proyectó para la exposición universal de Bruselas de 1956. En el espectáculo se proyectaban imágenes diseñadas por el propio Le Corbusier sobre las paredes del pabellón, mientras se escuchaba la composición de Varese. Sonido e imágenes no estaban sincronizados, pero sí se estructuraban, llegando a usar hasta 400 altavoces controlados automáticamente.